Exposition personnelle de Amira Lamti

Yosr Ben Ammar Gallery

Octobre 2022

Affiche de l'exposition

Le réalisateur cinématographique Alaeddin Aboutaleb nous a fait honneur dans ce projet par son acception du vivant dans sa rigueur comme dans sa distorsion, dans sa retenue et dans ce qui s’apparente à un mal communément dissimulé.

Quant au travail de Jneïna Messaoudi, il porte dans sa saturation la profondeur de ce qu’elle a pu extraire des œuvres brutes. Une œuvre hautement colorée qui est la sienne, témoigne de l’engagement de cette éprise de lumière, dans une pratique plastique intuitive de conception et déjà brute d’esthétique.

L’artiste Hela Djebbi a apporté sa touche poétique à l’exposition, lisant attentivement l’œuvre recueilli de Razi et scrutant son esthétique atmosphérique pour en traduire la résistance par le dessin, l’insistance par le grattage, l’économie par les moyens et l’engagement par l’idée de l’ensemble qui fait unité.

Avec sa réserve presque vacillantes, l’artiste Hédi Khelil amène sa conception du brut dans l’art à de la cultivation indispensable à l’humain dans sa pérennité existentielle et dans son expression la plus affinée.    

Emprise et recueillements est un projet qui a tout à fait suscité l’intérêt de l’artiste Arken Rezgui, dont le dessin numérique s’est fait pour la première fois imprimé, encadré et exposé au public. Les numériques d’Arken incarnent l’expressivité du lien intime avec le smartphone dont la symbolique fait l’objet d’addiction consciente et ménagée.

L’artiste Ekram Tira, fidèle à sa démarche artistique habituelle, a composé avec le lot d’œuvres brutes qui lui a été proposé, pour façonner une possible signifiance à ce qu’elle y a trouvé comme imaginaire apte à l’épuration et au discernement plastique.

Oussema Troudi, artiste de minutie morale, s’est recueilli dans une implication plastique telle que la figure a fait réplique au geste et la lecture a reconnu son obsolescence à l’explication nette et définitive.

L’artiste Nesrine Elamine, a plongé à son tour dans l’univers librement expressif des internés du Razi, pour en préserver plastiquement ce qu’éthiquement a perdu les marques ou socialement a coulé d’ignorance ou de dérangement.

L’œuvre de KEJ (Khedija Essaïed Jeddi), se révèle à qui veut bien y tremper l’esprit, comme une impressionnante mémoire vive d’une réalité commune qui est la nôtre. La poésie plastique de ce qu’elle a produit est d’une liberté pour le moins pertinente en termes de spontanéité et de mesures palpables.

L’artiste Radhouane Ayadi inventant à chaque résolution de création un nouveau chaos, a assimilé cet acte de contribution à Emprise et recueillements, à une naissance absolue, graciant sa peinture de la touche finale. Dans son œuvre, il fait atteindre le vide, il ne le réserve pas dans le néant, permettant aux lectures, toutes possibles, toutes imaginaires, d’exister.

Un appel à la proximité se fait intuitivement sentir dans l’œuvre de Shaden Ghehioueche, qui dissimule une figure possible de l’infini dans une installation interactive. L’artiste restitue son idée de l’immensité intérieure, de la dépendance et de la multiplicité, dans un cube défini minutieusement avec humilité.

Asma Ghiloufi
Octobre 2022

Le rythme évanoui

Mesure improbable

De son geste dévorant le vide

De son reste chassant la gravité.

La terre brumée

Traque ses pas

D'un temps réfléchi

Et de mélodie imaginaire

Enveloppant ce corps

Lévitant de continence

Révérence à ce qui ne se dit

Mais ce qui se danse.

Et de ce regardeur intime

Se cultive le néant

Comme le zèle

Dans un cœur endormi

Que de minauderies se fait

Et se fronce.

Le souffle affluent blanchit de son passage l'âme de sa réticence.

Le manque rétrécit à mesure de confondre l'heure et sa contenance.

Et le comble pris entre deux dispositions n'a besoin de retenue.

A.G.

Il n’y a pas de pensée en macération qui ne soit actuelle et il n’y a pas de discours ficelé qui le soit. L’intention donc de révolutionner le cours d’une chose, par l’écrit, ne peut être de l’ordre de la prévoyance mais plutôt de celui de la clairvoyance. Ce qui se dit, par conséquent, en termes et en guise, de critiques à ce qui se fait et ce qui se défait, en l’occurrence dans les domaines artistiques, ne peut être constructif qu’en se reconnaissant être approximatif et surtout dépassé.

La modestie, est dans ce cas nécessaire, quant au jugement de la pertinence et de la justesse du propos. Préserver la possibilité de porter à un paysage artistique précis, dans sa mouvance, une certaine vision, dans le but d’y participer, est plus sain que d’en avoir pour projet de le légitimer ou de le transcrire.

État d’Urgence, en est alors un produit aussi artistique que l’actualité de laquelle il traite, ayant à la place de l’intention un défi, celui qui lui permet, par sa forme texte, de franchir des seuils parfois hermétiques à l’art. Il n’y pas de recettes pour désinfecter une société de ses propres sécrétions. Il y a la bonne foi. Faire le procès d’une quelconque pratique artistique par la critique n’est pas une méchanceté en soi, à moins qu’il y ait confusion entre l’art et son auteur. Rendre compte de ce qui se produit sur une scène culturelle ne peut émaner d’une résolution cultuelle, sinon ce serait preuve d’insuffisance idéologique et parfois spirituelle.

Enfin, aborder un sujet tabou, dans l’art, n’est pas révolutionnaire en soi, il devient très naïf de continuer à clamer un caractère sensibilisant à ce produit de culture. Il est beaucoup plus périlleux d’ailleurs de déranger l’artiste que de remuer la conscience du récepteur de l’art, qui aurait toujours la liberté de rejeter ce qui ne lui convient pas délibérément ou par ignorance. Et déranger l’artiste ne peut être le juste but à atteindre par la critique, sinon le gâchis serait trop grand à dissimuler et puis à rattraper. S’il y a mérite dans le dérangement c’est justement dans ce qu’il serait susceptible d’engendrer comme remise en question et comme affirmation ou renoncement, jamais comme conduit à la condamnation. L’art actuel gagnerait donc à être secoué plus qu’à secouer lui-même, non pas dans la mesure de freiner la moindre contribution à l’édification culturelle et civique de la société dans laquelle il se produit, mais plutôt pour que cette même contribution soit louable.

A.G.

Parce qu’un texte n’engage rien dans son écriture sauf l’aptitude des mots à l’arrangement et celle de l’énonciateur au consentement, l’idée dont il est susceptible de traiter ne peut être autre qu’une rencontre fortuite et spontanée entre le dire et sa mise en harmonie. Un discours n’est donc pas inventé pour conduire des idées en attente de transmission, il en est même l’origine par laquelle il se rend lisible, compréhensible et par conséquent soutenable. Il est souvent entendu d’ailleurs qu’ordres, concepts et prémisses soient les présents d’un texte établi, dans sa moindre ponctuation, sa tenue grammaticale, son vocabulaire et sa musique. Ceci n’est point un déni de l’essentielle existence de mobile pour l’acte d’écriture, je présume même que c’est l’acte à raisons par excellence. Il s’agit, cependant, de souffle intime, ce qu’il y a de plus complexe à mettre en mots, à décrire. Parce qu’écrire est création, et la création n’a nul compte à rendre, nul besoin de légitimation. C’est une mise en disponibilité, un optimisme profond, une tentation et de la prévoyance. Ce qu’elle prend comme forme, en dépit de la matière dont elle use, est Art.

C’est au titre d’une expérience artistique que je présente ces lignes, à consommer et à digérer dans leur textualité la plus sincère et dans leurs insinuations les plus assumées, pour transmettre aux curieux des causes que la mienne est dans le sacrifice du reçu au risque d’en perdre pied et raison.

J’ai toujours été sceptique par rapport à ce qui pourrait rassembler un groupe d’artistes dans un seul et même projet de création, que le but en soit de sensibiliser la masse populaire qui y est étrangère ou d’enrichir culturellement une existence citoyenne appauvrie de spéculation, car je présume, que ce qui pourrait pousser un artiste à se produire est beaucoup plus intime qu’une manifestation pour et/ou avec la société, et bien plus sincère que d’incarner l’once d’un engagement politique. J’insinue par ceci, la mode envahissante des appels à participation, qui embrume le chemin des artistes confirmés et naissants pour les faire atterrir là où le moindre projet personnel a tellement l’air déterminé qu’il n’en est plus un. Je ne condamne pas, de mon propos, la bonne volonté des organismes appelants ni la sincérité des artistes qui y répondent, mais j’exprime l’impératif besoin de reconnaitre le caractère phénoménal de ce système culturel participatif universellement répandu ; il en résultera, idéalement, une envie de voir autrement les choses, au lieu de simuler de toujours avoir tout compris.

Depuis que les manifestations artistiques, en Tunisie, étaient comptées comme un vulgaire moyen de chercher la bénédiction du régime violet, il s’est établi un apriori accompagné d’une attitude, une posture très familière et reconnue (entre artistes) : celui qui participe cautionne et plus même, consolide et encourage l’effacement idéologique, la corruption politique et la médiocrité culturelle. La petite échelle de ces manifestations préfabriquées, inutiles et souvent insensées, faisait qu’elles n’étaient pas d’une grande gravité. Elles étaient d’ailleurs boycottées par les artistes dignes de ce qu’ils se croient être, et donc réservées à la crèmes des arrivistes parmi les prétendants à l’art, aux non-avertis et aux très modestes intellectuellement.

Je préserve, en revanche, tout le respect et la reconnaissance envers l’action des amateurs, souvent anonymes qui se produisent à la marge du grand art, dans des cadres spécifiques comme les hôpitaux ou les centres pénitenciers. Leur prétention étant limitée à ramener de la vie à des communautés qui en sont, d’une certaine manière, dépourvues, semble beaucoup plus sincère que celle de vulgariser l’Art.

Je salue, par ailleurs, les projets à empreinte culturelle ou sociale qui incluent une contribution artistique, dans la mesure où la sensibilisation à l’art ne se présente pas comme Le marchepied afin de parvenir à l’émancipation civique mais plutôt comme accotoir nécessaire pour l’équilibre sensitif. C’est-à-dire qu’une manifestation artistique incitant à la création en groupe n’acquiert de mérite que lorsqu’elle se présente (si nécessaire) comme faisant partie intégrante de tout un programme de promotion sociale.

Ce n’est pas à l’art d’englober le social, de le ménager ou de l’aménager, c’est plutôt au social de considérer l’art dans sa tenue libre et afférente.

Il me semble, en effet, que le vice est non dissimulable, dans un projet d’art participatif, sauf si ce dernier est de l’ordre de l’expérimentation, de la recherche et de la réflexion. J’insinue par ceci que, l’objectif d’une quelconque pratique artistique doit se tracer en dehors d’une pauvre interactivité manigancée, calculée et parfois-même forcée et donc faussée avec une société trompée dans sa fabrication et dans sa perception du beau. Mis à part le probable enrichissement humain qui s’établit entre artistes ou entres citoyens et artistes, il serait d’une grande vanité de briguer un quelconque intérêt social foncièrement constructif en matière d’engagement culturel et de réelle ouverture d’esprit. Le caractère factice de ce qui se fait, généralement, dans ce genre de projets est d’une telle évidence qu’il serait malhonnête de l’ignorer. L’artiste aspire par sa participation à s’afficher, à allonger son cv. Il prouve qu’il peut se faire guider dans son propre territoire, tout en profitant des séjours touristiques et en se mettant à l’épreuve d’une comédie politiquement orchestrée. Le participant gagne de l’argent, se plait dans le rôle de pion et apprend à maquiller ses intentions pour être au goût du jour. Il troque sa démarche spécifique contre le plaisir d’une chorégraphie souvent mal pensée et il s’accoutume au mensonge jusqu’à en sacrifier le besoin sinon l’utilité des choses vraies.

Je ne pense pas du tout que l’Art puisse être le salut d’une société, son tremplin vers je ne sais quel civisme, sa preuve d’ouverture, de richesse… etc. Et je ne vois pas l’intérêt qu’un projet prônant le dialogue interculturel, intergénérationnel, intercontinental (et autres mots graves)…, soit artistique. L’Art ne peut être, à mon avis, le prétexte, le moyen et le but que de sa pratique. Il nait désintéressé et n’a nul besoin de cause pour vivre. Farcir une intention politique de projet d’art usant d’interaction avec le peuple, de réanimation patrimoniale, d’insertion sociale, de sensibilisation, … n’est bénéfique ni pour l’artiste ni pour son image. C’est par sa citoyenneté qu’on est citoyen, jamais par son art.

Dans ces projets faisant travailler les artistes de provenances et de vocations diverses, sous des thématiques précises à revers raciste, schizophrène et colonisant, la prétention est d’émanciper l’art sinon la société, ou magiquement les deux. Le souci là, c’est que la production et / ou la pratique artistique, en elle-même, n’est pas en mesure d’indiquer le degré de développement culturel d’une communauté. Ce dernier pourrait plutôt être tributaire de l’aptitude spontanée de cette communauté à recevoir et à aller vers l’art, ainsi que de la capacité de l’artiste à construire son projet personnel d’une manière digne et indépendante.

On ne fait pas produire un artiste dans un projet de groupe, on ramène le projet de l’artiste au groupe. Une expérience artistique libre est beaucoup plus enrichissante dans son exposition, qu’un art commandé dans sa production. Si le premier jouit du charme des coulisses, le deuxième ne peut guère dissimuler un mérite faussaire. S’il est donc nécessaire d’arranger pour la création artistique un terrain social de reconnaissance et de valorisation, mieux vaut commencer par la mettre à l’abri des causes politico-sociales dont usent les projets participatifs aliénants, et lui épargner, par conséquent, un glissement prémédité vers le vulgaire au nom de l’humble vulgarisation.

A.G.

Au croisement, est le fil, celui de toute adresse, en dépit des longueurs et teneurs, se tend aux soins du prenant, vers la possible suture et certaines tentatives. Longeant le dessein, le fil, par moments, s’y verse et n’en sort châtré, aux guises des raisons. Broderies, enfilant à l’épreuve une tenue d’art, comme un rendez-vous intemporel, le fil, comme une terre sans cordonnées, il grève sa présence d’obligation, et s’en offre chair au dessin.

« Avec un fil », tel est le titre de l’exposition de groupe tenue à la galerie « El birou » du 18 au 31 Mars 2017. Avec un fil, telle est, par ailleurs, la contrainte donnée aux artistes, pour faire plus que les réunir autour d’une idée, les savoir éperonnés par une seule et même matière : le fil. Ce dernier ayant la propriété d’être sous des formes substantielles diverses, il ne manque de donner la chance au travail artistique d’être aussi conceptuellement que matériellement distinct. Sa manipulation pour le projet de l’exposition s’en rapproche au jeu, à l’expérimentation et à la recherche, sans le moindre plan d’en soustraire une harmonie obligée. Le but étant d’amasser des signatures unies déjà de leur matériau, l’artiste, animé par sa propre cause, ne se voit conduit que vers là où il va déjà.

Nous trouvons ce que nous qualifions d’objets d’art, frôlant le dessin, la peinture et l’installation, avec un dénominateur commun : le fil, celui qui sert à coudre ou à relier, celui livré à son propre magnétisme, celui tendu, tordu, découpé, entrelacé ou noué s’emparant des cimaises de la galerie.

Rassemblant l’œuvre d’étudiants et d’enseignants, « avec un fil » offre à une pratique avouée de côtoyer celle qui cherche encore son vrai mobile ; aussi expérimentale l’une que l’autre, aussi avide de légitimité et aussi reconnaissante envers toute révélation ainsi engendrée. L’exercice de l’art, s’avère comme un perpétuel commencement où chaque personne s’apprêtant à la moindre déviation de route, au moindre temps de pose, est débutante. Si un novice, par ailleurs, trouve toujours de l’assurance en s’unissant avec l’habitué, ce dernier approuvera en permanence le mérite du sang neuf.

A.G.

Ijtihed, tel est le titre accordé par Selim à l’œuvre de son exposition personnelle. Il appert, d’abord, de cette nomination un aveu non moins déterminé que sa forme. L’artiste insinue, comme pour laisser sa trace prendre les devants sur son élan, qu’il s’agit de possibilités, de faire, de voir puis d’exister. Il ne m’est jamais venu au cœur un attachement à une production artistique sans qu’il y ait un appel au doute. Que ce dernier fasse fleurir un discours critique, cela prouve et clame donc sa nécessité.

Selim est l’incarnation de son geste. Son imprégnation en politique, palpable chez lui, déjà depuis le commencement, le conforte certes dans un chemin de conviction idéologique, mais le maintient surtout, assez trébuchant, pour en faire ou en dégager de l’art. Qu’il use de camouflage ou qu’il dompte des dires sacrés, dans un exercice de matérialisation d’esprit, cela n’est guère d’un engagement politique. Je trouve, en effet, l’œuvre de Selim beaucoup moins finie que l’expression dans laquelle elle puise. L’artiste prend en « hottage »

l’imaginaire collectif et tente de le faire vaciller, comme une chorégraphie improvisée, un chant d’école, ou par un été prématuré, un champ de blé. Il nous présente, avec art, ce qui de gravité ne se serait permis le souci esthétique.

Ayant grandi dans un milieu militaire, mon idée du tissu de camouflage se complétait déjà avec celle de l’urgent qui portait loin un père de famille et qui rendait probable et puis essentiel, le plaisir de l’absence. Ce souvenir d’enfance, m’a donné le premier battement de cœur, face aux tableaux de Selim. L’emblème du vide se transforme comme par magie en présence, je me sens au milieu d’un terrain de bataille, là où le camouflage ne sert le combat de corps, mais plutôt celui des raisons.

Que l’artiste récupère des signes matériels de l’urgence sécuritaire dans

un travail artistique, cela revoie à la circularité idéologique qu’il approuve. Aussi salutaire cette démarche soit-elle, ce que je trouve encore plus remarquable c’est sa fidélité à ce qu’il transforme en matériau. Son jeu de camouflé/camouflant, les gyrophares non plus fonctionnels que fonctionnants, l’insaisissable sacré…

Il amasse sa matière vivante et la renvoie le souffle encore dedans. Il découpe, avec toute la prudence qu’un dessein artistique exige de son porteur, un vide qui trompe l’œil, ménageant l’esprit pour un plein de mémoires.

Ijtihed n’en est pas le revers artistique d’une résistance idéelle. Il me semble d’ailleurs, que ce rassemblement d’œuvres résiste déjà par la charge matérielle et sensible dont il use, et n’est donc responsable du moindre apriori d’ordre interprétatif.

A.G.

État d'urgence n°3, Tunis, Octobre 2016, page 12/16.

Le mal de l’autre résonne aussi fort que ne retente une solitude mûrie dans la foule ; le réveil y met de l’aigreur autant que le sommeil n’en fabrique des oublis.

Le temps que nous coulons, qui nous coule, ce même temps que nous invitons à chaque passé resurgi, dans ce qui se dira et les rires orphelins, ce temps que nous habillons de vestiges inventés, que nous glaçons sous des serments et que nous accrochons, fiers, aux feints passants, à des passages différés, à des haltes et des retours improvisés, ce temps que nous ingurgitons presque de gré, presque de force, ne connaît pas de mesure.

Le mal de l’autre résonne aussi fort que ne retente une solitude mûrie dans la foule ; le réveil y met de l’aigreur autant que le sommeil n’en fabrique des oublis.

Le temps qui n’arrête de partir, qui de chaque souffle restitué à l’air qui nous entoure, se fait ombre et prend allure, ce temps qui n’a de traces mais qui accuse le poids de nos rebours, qui nous déjoue la lumière à la moindre vie, qui nous fait pousser les remords à coups de mémoires et la foi à raison d’abandons, ce temps à la mine apathique, à la marche amnésique, au teint froidi et aux troubles contours, ce temps-là ne connaît pas de mesure.

Le mal de l’autre résonne aussi fort que ne retente une solitude mûrie dans la foule ; le réveil y met de l’aigreur autant que le sommeil n’en fabrique des oublis.

Le temps qui nous écourte la parole, nous roule les promesses et s’offre en résidu, ce temps qui nous sème dans les maigres présences, et les discours à mensonges et les rêves aplatis, ce temps nous offre de quoi nous pâlir, de quoi nous polir pour glisser facilement, pour passer gentiment et ne retenir de nous-mêmes le soupçon d’une constance, ce temps qui nous rétracte dans l’autre, dans son mal, dans sa bêtise, nous prenant en otage, il ne nous appartient pas, ce temps-là, jamais, ne connaît la mesure.

A.G.

D’une parole, mûre de murer l’appel du blanc pressé d’exorde, d’un bougainvillier mourant, de l’opaline hauteur sous le plafond, un vert propre à l’air que l’artiste inspire retient l’humidité de la nuit passée.

Du sol pastellé, passe de l’ombre la raison, vers la lumière raisonnée, d’une myriade de marches, d’un Albinoni pérégrin et de silence niais, se fie l’artiste au prompt jour.

De mémoire, tombent le poème et le pamphlet, et de gribouillis s’exaltent les murs, et des cris de bébé, la joie diurne et l’amour singulier, labeur intime pour demain.

Là où naît l’idée, meurt le péché de coucher l’envie sur des vestiges de projets. L’artiste sait.

Sa mémoire le trahit, complotant pour sa virée, et il se trouve muet, et se fait sentir flanqué jusqu’à l’os, et plat jusqu’aux pieds. Se retire, l’artiste, de ses mots, et de ses marques, tend des filets à la patience, qu’elle fonde aussi morcelée, qu’une maison retrouvée, pour que regorgent du plâtre des vis enfoncés, et s’en dessinent des soleils désuets, de fils en aplats troués, la véhémence conduit, et la résistance incline le temps dans la foulée.

Des pots empilés, des colonnes en colons proclamés, déjouent, nuancés, sa résolution de peindre, le peintre s’apprête à clouer. Des abysses balayés, se répand le soleil en poussière, et se rétracte au réveil, linéaire, pointillé. D’un Tunis parlé, monte la sentence, au mutisme gracié, de l’habitant des lieux, d’un habillage pensé, aux couleurs, terres de sa mémoire, vives de son geste, et de sa volition, figées. Quel art, si ce n’est ce laps de naissance, perpétuellement révisé ? Quelle tentation, de transcrire le souffle, sans mesure infiltré, dans les vierges murs et les dais renversés ? De l’accoutumance, je pense, ma parole délavée, à mon amour du poème, à ses habitudes dépareillées, l’artiste, qui amène l’art à ces plâtres, est le même homme, qui me prépare le café.

A.G.

Par un temps qui a la raison à l’œil, l’art visuel n’est pas forcément un art du visible. Se tasse, en effet, la pensée en couches, devant le travail d’un artiste peintre, son devenir et sa trace, appesantie, cette pensée, par tous les moyens qu’un spectateur s’offre pour tenter de comprendre.

Tachiste, qu’il soit, pointilliste, graphiste ou dessinateur, Oussema Troudi est d’abord contemplateur de son support, qu’il invente d’ailleurs au fil de son intuition. Son art, est juste égal au temps qu’il dépense pour se résoudre à la matière qui le choisit. Sa création, en outre, dépasse souvent les moments de gestation intellective, pour empiéter sur sa moindre manière de discuter le bout de gras.

L’exposition « Montfleury », n’est pas l’aboutissement d’un dessein, elle n’en acquiert même pas la mine de son titre. Cet ensemble d’œuvres, est, à mon sens, une tranchée dans le temps, dans le zèle et dans l’ambition de l’artiste, d’aller vers les dessous des surfaces, vers l’épaisseur du quotidien, en ayant l’art comme révélateur et non pas comme fin.

Il m’aide, dans ma tentative d’anagogie pour le travail d’Oussema, que j’habite l’atelier qu’il habite. Un lieu interrompu de ses vocations, entier de sa constance, s’offre à l’appropriation de l’artiste, un air à inspirer et de la matière à vivre.

L’idée de travailler dans la maison, lui est venue presque au même moment que celle de travailler sur la maison et par la maison. Travailler quoi d’ailleurs ? Il est à signaler, à ce propos, que ce n’est point la peinture, dans sa tenue technique et esthétique de composition, de matière et de couleur qui est à l’œuvre. L’artiste s’imprègne de ses environs physiques, pour panser ensuite l’idée de les arranger et de les traverser par l’expression qui ne les finit dans la narration insipide. Son dialogue avec son voisinage, artificiel soit-il ou naturel, se fait sentir jusqu’au suc, depuis son travail avec et par l’eucalyptus, l’arbre qui marque nettement la sensibilité de l’artiste à l’au-delà de l’écorce des choses qu’il voit et qu’il vit. Dans ses gravures de sections d’eucalyptus, Oussema rend à l’arbre ce que le temps lui a pris, et crée de l’œuvre un écosystème dont la forme ne cesse de se verser dans le fond, et dont le sujet n’est que l’objet en reconstitution. 

C’est ainsi, qu’en côtoyant l’artiste, je présume égal son mobile à ses moyens qu’il sème d’ailleurs, par monts et par vaux, dans son quotidien intérieur. Il n’est pas que le fabricant de son art, il en est tout aussi le regardeur, parfois l’éleveur et souvent le résilié.  

Dans cette suite de travaux nommés « Monfleury », Oussema Troudi amène le mur à sa raison, pour y voir plus qu’un bâti et en restituer une existence autre que celle qui le réduit à accrocher le regard d’un habitant, sa déco ou ses pense-bêtes. C’est ainsi qu’il a pris de la graine de son atelier-maison, pour résoudre son gage à morceler l’espace en tableaux aussi réfléchis et construits que ce dont il dispose permet.

Il est à souligner, en parlant de ses réalisations, qu’il y a deux plans de lecture. Le premier concerne la matière qu’il travaille et le deuxième porte sur la manière dont il procède.

Dans son agissement,  l’artiste explore le plâtre, en panneaux vierges, tels qu’il les récupère, encore humides, chez l’artisan. C’est sur des surfaces d’un blanc timide, qu’il peint, dessine, grave, cloue et révèle, par l’expression plastique, l’abîme d’un matériau dit de construction. 
Sa manière d’achever une œuvre, donne un sentiment d’un work in progress permanent, car il y incarne éventuellement la possibilité de passer à la suivante. Chaque œuvre est, toutefois, unique et chaque passage semble nécessaire et suffisant pour que l’harmonie opère sans prédisposition.  

La ligne se tend et les domaines de plâtre virginal accueillent les aplats de peinture, accusent clous et vis et acceptent sereins les aléas de la sublimation. L’artiste préserve aussi bien la matière que la trace de sa moindre manipulation. L’œuvre en raconte, alors, la représentation qu’elle est, l’impression qu’elle donne et l’histoire de son accomplissement, par l’artiste qui se produit dans et du chaos.

L’œuvre « Monfleury » d’Oussema, est comme un réarrangement  lascif et spéculatif de son quotidien. Elle se résume à des compositions métaphoriques, une minutie notable, de l’abstraction et tout le plaisir qu’un tissage de relief puisse procurer, tant à son auteur qu’à son contemplateur. 

L’artiste neutralise son intimité idéologique, subtilement sentie dans ses choix d’ingrédients pour la création, par un raisonnement sériel qui ramène aussi sa production à sa nature d’œuvre d’art. 

Les pièces de l’exposition sont aussi isolées que solidaires. Elles portent en elles l’intention de l’accrochage. Oussema Troudi, en recourant aux objets usuels de quincaillerie qui se rapportent aux coulisses de l’œuvre d’art finie, ne désacralise pas la création autant qu’il bénit sa gestation et sa digestion. Sa production se révèle, par conséquent, comme une sonde qui vient mettre à flot l’origine de son intention et toute sa propension à impliquer le réel dans sa démarche. Qu’il y est du hasard, dans sa pratique artistique, cela ne travestit point sa préméditation. Il arrive, d’ailleurs souvent, que le dessillement se fasse lors d’un déraillement ou d’une divagation dans le maniement de l’idée ou de la matière.

Dans sa résolution pour les titres des tableaux, l’artiste continue à assujettir sa pensée intérieure à la distanciation formelle qui l’inscrit dans un travail qu’il appelle « Monfleury». Les œuvres prennent donc comme titres des noms de villes de Tunisie, et s’offrent par conséquent à l’ultime degré de lecture : la mémorisation.

Gafsa n’est pas venue à l’esprit de l’artiste comme le nom qui relèverait le goût de l’œuvre qui le porte maintenant. Gafsa était déjà dans l’autosuffisance qui marque ce travail. Bizerte aussi, était dans son sel, Sousse dans ses bords, Sidi Bouzid dans son intégralité, et j’en passe. Les fissures dans le plâtre d’Oussema sont des rides d’expression, qui valent pour l’œuvre ce que pour le visage vaut le rire. Les couleurs dans « Monfleury » ouvrent le bal à l’intérieur, les vis marquent le temps et les fils maintiennent la route à l’éternel voyageur.

A.G.

État d'urgence n°1, Tunis, Février 2016, page 8/8.

De qui te mêles-tu

de quoi

toi l’inconnu

te mènes-tu ?

du crayon que tu tiens

de l’envie de te retrouver

peintre que tu es ou photographe du temps perdu

entre les propres noms et les maints esprits

ou c’est l’art de fouiner

dans les lettres poursuivies

consciemment cordonnées

pour t’égarer vers les non-reconnus

un laps de je

te retient

jeux de l’ère passée

l’air oublié

l’air effacé

de mine grossière parce que d’intuition ébréchée

parce que d’indolence dédiée

aux rappels à la mémoire encombrée

d’un présent immature

de rouge sang, de blanc salé et de slogans fabriqués

à l’honneur des révolutions montées

à l’horreur des prémisses démenties

et le génie d’en faire des mots

et le souci d’en construire des mythes

de quoi amuser un avenir averti

d’expos-ventes

de rassemblements fortuits

engraissés du charme des mini-verves

et des talons enfouis

et les rires à galeries

et les fortunés de nature

et les nouvelles recrues

dans la terre sainte

du griffonnage sur les murs

et les vierges tissus

chassés en châssis

pour accabler davantage

le son du vide

que laissent les raisons enfuies

A.G.

Vent de velours

Que souffle ton cœur

Et de ciel

Veut colorés

Nos baisers

Appareillées

Tes senteurs

Dans mes terres

Sèment le sourire

Et guettent le bonheur

Aux bords des étés

A.G.

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Dans tes yeux prairie

Des bourgeons de vie

Et des larmes à volonté

Me font ta lecture

Et me fraient un soleil

Vers le sel de ton gré

A.G.

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Que t’enlacent

Mes profondeurs

De fils

Et de blancs

Et que se donne

De terre

Mon ombre

A tes crans

A.G.

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Une volée bleue

Te tourne

Et retourne

Dans des airs lointains

Où vie n’est plus

Et mort n’est point

A.G.

du creux 

des mains minées

l’ombre vois-tu couler

d’un geste dicté

se dessine une visée

et se donnent de grès

à lire les portraits

à travers le verre

qui tait le papier.

A.G.

Ce qui

Pour un laps de

Fond

Fut un champ

Pour panser

Une muse

Absolue

Est passée

Et passera demain

La muse

Racler

Le regard

Indifférent

Du passant

Naîtra

Le noir

Du blanc

Et se dénoueront

Les dires

En giclant

Des silences

Parlants

Des silences

Scrutant

Les tons des fois

Ratées

Les temps des fois

Coulées

Dans les moules

Des craintes

Éventées.

A.G.

De terre

Que ces obliques

Regorgent

De force

Que traversent

Des cieux

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Les nerfs du temps

Transperçant

Le jour

Se font pousser

Des épines

Dans les ombres

--------

Périlleux

S’écoulent

Sur des fils d’acier

Les zèles froissés

D’antan

--------

Et à tire-d’aile

Vole l’ombre blême

De nos aïeux

Comme des troupeaux

D’oiseaux

Comme des copeaux

De drapeaux

Et nous voile

Des soleils

--------

O ponts

Dans l’air

Roucoulant

Ponts des temps

Porteurs de chimères

Tenez

Les nuits promises

Trainez

Les fois permises

Et défilez

Vers nos fronts

A.G.

ton bleu de mer

et l'écume

sur ton front

immuable souffle

dans la voix du Baron

- - -

telle une femme

qui voue

ses hanches

au vent

férue du ciel

son ombre

au premier soleil

- - -

Chenini

sable dansant

que la couleur

de ses dessous

fond

dans le temps

et s'offre

à l'infini

- - -

Maître des mers

dans ses terres

inhumé

en exhume

une étoile

à chaque agonie

de soleil

et vénère

- - -

de terre

et où périssent

les affres

laisse d'orgueil

éclore

les âmes

aux papilles

blanches

- - -

creuse l'animé

de force

et de vie

creuse

dans le franc

front

de mère brune

qui monte la mère

et qui fait glisser les brumes

A.G.

Ô hasard !

Dans cette aire,

Si tracée

Que l’œil

Y renait

Point

Et s’y perd

Où Règle

N’est plus

Ni Autre

Ni Heure

L’âme est

Comme dans l’eau

Dissoute.

A.G.

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Valse du temps

Vous voilà

Pris par vous- mêmes

Dans le vertige

Du suivant,

Tourner,

Contingents,

Autour du rien

Invisible

Que vous appellerez

Le centre

De là où

Vous tournerez

Toujours.

A.G.

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Accusés de réception

Lorsque

Sous les pieds,

S’estompent

A petits pas

Les pointes

Fines

Du temps

S’offrent

Au grand jour

Les craintes

Mine

De rien

Vous marcherez

Sur des miroirs

La marche

Des vivants

Et sur les murs

Vous verrez accrochée

L’ombre

Encore humide

De vos mains sur la tête.

A.G.

des doigts fins
qui tressent tes envies
pour en faire une corde de survie
lorsque te pousse le temps
au bord de la dérive

un regard guérisseur
qui enrobe ton chemin
de grâce et d’attention
lorsque tes caprices « mâle’ in »
frelatent les traits de ton destin

une parole futée
qui glisse
entre tes interrogations « homme ‘ni présentes »
qui les assouvie
qui les multiplie
et qui les sublime

une sensation de plénitude
ondulée
qui escalade, magiquement, tes forces
pour combler les lacunes
qui s’y creusent

un silence
qui ravale tes angoisses
et les réduisent
en une fine couche
de sensibilité bénigne

une musique
qui exalte tes joies
et les souffle à l’oreille du faunin et du floral
et tu danses

Une femme
dont la ferveur est « mère »
« sœur »
« fille »
ou « épouse »
attrape ton bruit
ton regard et ton air
et te les renvoie ineffables

je vous tutoie
« homme »
conjugaison permet
nature oblige

sors de moi, une vie
et « vie » insuffle-toi dans mon corps
et contemple la magnificence du non additionnable  

A.G.

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Un cri art-genté
résonne
par-dessus les dégâts-je
perce de lumière
l’ombre des faux gages
d’un mur mûri
qui cloisonne
une seule et unique rage

Expose ton regard
citoyen de cil
artiste de pupille
éparpillé comme poussière
Pendu comme dépit
étendu comme sillage
le temps se nomme galerie
et voilà que Patrie
rouge de champs
blanche de rivages
s’arrête bien munie
le mal englouti
récolte sa culture
à travers ton visage

Inspirons couleurs
expirons tracés
et lisons à la santé des ouvrages imprévus.                      

A.G.